sábado, 30 de abril de 2016

Entrevista a Cyril Dion: "En EEUU están tan cerrados en su país que se creen cualquier cosa."

Cuando las ideologías se convierten en creencias es complicado tratar ciertos temas, pero el documental Mañana logra que el cambio climático, la crisis de la democracia, el lamentable sistema educativo de ciertos países (incluído España) y muchas más problemáticas sean puestas en tela de juicio. La mentalidad de cada uno lo asimilará de distinta manera, pero la factura de la que le ha dotado Cyril Dion, junto a Mélanie Laurent, lo ha convertido en un estreno imprescindible. Para conocer más en profundidad los objetivos de Dion, tuvimos la oportunidad de hablar con él, y afortunadamente su discurso en persona es tan sincero como el que vimos en la gran pantalla.

Este activista y cineasta galo se alzó en la última gala de los Premios César con el galardón al mejor documetal, y si destaca algo de su propuesta es su humanidad: Lo que es impresionante no eran las propias iniciativas, sino la gente. Son ellos los que nos llegan al corazón. Su humanidad, que eran bellos por dentro. Y la gente nos dice a menudo que los personajes son hermosos. Y no son Brad Pitt ni Angelina Jolie, pero son resplandecientes.” Esas iniciativas a las que se refiere son las propuestas alternativas al modo que tenemos de explotar el mundo, y aunque el documental no pase por nuestro país, no es porque no lo tuvieran en mente: Dudamos mucho en ir a Barcelona. Tuvimos esa duda hasta el final. Es una de las ciudades que tiene más ambiciones en cuestiones de autonomía energética y alimentaria. Porque la alcaldesa ha dicho que quería llegar antes de 2040. Y el problema es… que no hablo español. Cada vez queríamos ponernos en escena, aparecer en la película, para que sea más íntimo y personal. Y por lo tanto no podíamos filmar una conversación con intérprete.”

viernes, 29 de abril de 2016

El caso Fritz Bauer. El héroe traidor.

Título original:
Der Staat gegen Fritz Bauer
Año:
2015
Fecha de estreno:
29 de abril de 2016 
Duración:
105 min
País:
Alemania
Director:
Lars Kraume
Reparto:
Burghart Klaussner, Ronald Zehrfeld, Rüdiger Klin, Cornelia Gröschel, Lilith Stangenberg, Sebastian Blomberg
Distribuidora:
Caramel


El cine revisita los mismos temas una y otra vez, sobre todo aquellos basados en un hecho real -ya se sabe: la veracidad, la proximidad y la conexión emocional con el espectador que ello conlleva. Lo apuntábamos hace poco a colación del estreno de la española Lobos sucios; el nazismo -en todas sus vertientes- es una fuente inagotable de ideas. Los realizadores tratan de buscar nuevas perspectivas, nuevas historias no contadas, nuevos enfoques, nuevos héroes que encumbrar. En este último tratamiento se engloba la alemana El caso Fritz Bauer de Lars Kraume, quien dirige y guioniza el proyecto.

Mysterious Object at Noon. La búsqueda de la unidad


Título original:
Mysterious Object at Noon
Año:
2000
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016  
Duración:
83 min
País:
Tailandia
Director:
Apichatpong Weerasethakul
Distribuidora:
Capricci



Si han leído la crítica que el compañero David le dedicó a la última obra de Apichatpong Weerasethakul, Cemetery of Splendour, es muy probable que se repita un concepto aquí: Es muy dificil hablar de películas de esta especie. Cuando un director convierte su set en un laboratorio de experimentos, sin saber muy bien a donde irá todo lo que va filmando, el espectador queda en la difícil posición de acompañar el experimento hasta el final o quedarse a medias sin saber muy bien qué decir. Conocemos a Apichatpong; quedarse afuera de la fiesta muy temprano es una posibilidad cierta cuando asistes a una función firmada por él. Es el riesgo de hacer un cine (y de verlo) que se mueve siempre en los extremos de eso que solemos llamar vanguardia: sabes que no serás apreciado en tu tiempo, por más que te aplaudan los más entendidos, y sabes que en el futuro quizá te tengan como un referente de un nuevo cine naciente, aunque quizá no. Pero volviendo a la difícil tarea del crítico/analista/aficionado, ¿qué decir? ¿Qué escribir? Es que el cine del tailandés está tan dedicado a la experiencia, que sólo haber experimentado plenamente una cinta como su ópera prima te permite una verbórrea decente y con sentido. Para el resto queda remar. Intentar comentar de forma aburrida y nada apasionante, lo que hemos rescatado de una propuesta como ésta, que no por compleja y experimental es menos interesante y rica.
Y sí, con todo lo dicho anteriormente, parece que no tengo idea de lo que he visto. Pero no es tan así; Mysterious Object at Noon se hace de rogar, te pone a prueba constantemente, pero vale la pena quedarse porque el hallazgo de lo que guarda en su interior es difícil de olvidar. El afamado director tailandés no tenía mucha idea de lo que estaba filmando, pues su idea original sólo era montar una secuencia de elementos siguiendo una lógica que aún no tenía muy definida, no mucho más que un collage improvisado. Fue cuando se cruzó con el concepto del "cadáver exquisito", cuando se le ocurrió que su material filmado le podía servir para experimentar muy profundamente con un tema tan interesante como la unidad de una obra.



Así, lo que vemos en la cinta es una variante del clásico juego utilizado por los pintores surrealistas, donde la composición pictórica es reemplazada por la narración de un cuento y los pintores por aldeanos de diferentes zonas rurales. Las inquietudes de Apichatpong están a medio camino entre la búsqueda de una narración diferente y el compromiso político, pues no estamos sólo ante un experimento hecho desde una torre de cristal, sino que estamos escuchando las voces de gente marginal y olvidada. No es casualidad la omnipresencia de los elementos políticos a lo largo y ancho del film y muchos incluso, aunque yo no lo he visto tan claro, entienden la obra como todo un manifiesto político.
Sea como sea, lo que el tailandés logra con los aldeanos es toda una curiosidad. La mujer que arranca la narración lo hace desde su perpectiva particular (cuando era niña fue vendida por su padre según cuenta al director) y el inicio no podría estar más teñido de melancolía y añoranza d eun pasado mejor. Pero entonces todo se deforma; en la medida en que avanza la narración continuada por personas totalmente diferentes, comienzan a aparecer elementos fantásticos tradicionales, elementos épicos, momentos musicales. Todo para concluir demencialmente cuando se le da la batuta a los niños y toda su energía renovadora/destructora.



El director decide también que muchos momentos del cuento merecen ser filmados, mientras que otras veces, los propios aldeanos ayudan a representarlo, por lo que queda un montaje bastante curioso en el que confluye la ficción, el documental, el musical y el teatro. Por supuesto, el tailandés no podía con su genio y tenía que incluir otros elementos, como intertítulos de cine mudo, que nunca he terminado de dilucidar a qué venían.
Apichatpong consigue encontrar la unidad de todos esos elementos heterogéneos en el sentir y añorar de esos pueblos. Y si se siente que lo consigue más o menos, si se lo ve como manifiesto político, como evolución del cine o como lo que sea; lo más importante es que funciona. Es un gran experimento, de complejo seguimiento, pero de inobjetable valor. Una de esas obras que gusta decir que son de las más imprescindibles de los últimos años.

6/10

Mañana. El futuro es posible.

Título original:
Demain
Año:
2015
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016  
Duración:
118 min
País:
Francia
Director:
Cyril Dion, Mélanie Laurent
Reparto:
(Documental) Cyril Dion, Mélanie Laurent, Olivier De Schutter, Anthony Barnosky, Emmanuel Druon, Jan Gehl, Elizabeth Hadly
Distribuidora:
Karma Films


Nos levantamos por la mañana y todo funciona. El mundo sigue girando y nosotros con él. Poco a poco asimilamos la realidad, con sus aspectos positivos y todo aquello destructivo ante lo que apartamos la mirada, pero no hay por qué aceptar o enterrar aquello que se puede cambiar. El documental Mañana insta a ese cambio de manera atractiva y sincera, sin caer en efectismos ni demagogia, simplemente recurre a aquellas iniciativas alternativas que están resultando exitosas. Demostrando que el mundo no tiene por qué funcionar cómo nos mandan desde arriba. Lo normal es que se achaque a ciertas ideologías este planteamiento de la insostenibilidad del planeta tal y como lo explotamos -y cómo pretendemos mantener este ritmo o incluso incrementarlo-, pero aquí los bandos y colores pierden significado para permitir que la realidad sea la protagonista. Esa realidad que no se nos muestra tan a menudo como se debería. Una realidad optimista, que invita a confiar en nuestro poder como sanadores y no como destructores. Más allá de lo utópico que sea implantar esas propuestas a nivel global, la forma en la que se nos muestra es la que invita a confiar en que puede ocurrir. Y que tenemos que ser parte de ello. Y teniendo en cuenta lo complicado que es calar en el público, al menos a medio plazo, con una película, y más si tiene mensaje social, Mañana triunfa en su cometido.

La punta del iceberg. Atracción al vacío


Título original:
La punta del iceberg
Año:
2016
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016
Duración:
95 min
País:
España
Director:
David Cánovas
Reparto:
Maribel Verdú, Fernando Cayo, Bárbara Goenaga, Álex García, Carmelo Gómez, Gines García Millán 
Distribuidora:
Syldavia Cinema


El suicido es un tema tabú tanto en los medios de comunicación como en la sociedad en general, un asunto que existe pero que solemos pasar por alto, algo que pasa también con las óperas primas en nuestro país: muchas veces se estrenan pero pocas veces se les da el espacio que se merecen. David Cánovas, nominado al Goya por uno de sus cortometrajes, El intruso, se ha atrevido a hablar de suicidio en su primera película, La punta del iceberg, basada en la novela homónima de Antonio Tabares. Ahora esperamos que el público preste atención a este recomendable largometraje y no pase por la cartelera sin pena ni gloria.

jueves, 28 de abril de 2016

La noche que mi madre mató a mi padre. Mentiras exageradas.

Título original:
La noche que mi madre mató a mi padre
Año:
2016
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016
Duración:
93 min
País:
España
Director:
Inés París
Reparto:
Belén Rueda, Diego Peretti, Eduard Fernández, María Pujalte, Fele Martínez, Patricia Montero
Distribuidora:
Festival Films



“La comedia del año” es esa definición que suele acompañar a producciones que pueden considerarse comedias a duras penas, ya que despertar risas no es precisamente su fuerte. La aparición de esa frase de forma sistemática en los carteles de las películas ya invita a sospechar acerca de su veracidad. Y con La noche que mi madre mató a mi padre basta con ver el resultado final para poner en duda la credibilidad de esas palabras. El planteamiento que se propone es original, en cuanto a que la película es un juego en sí misma, pero los enredos entre sus personajes se van enmarañando de manera que se dilata la llegada de la resolución durante demasiado tiempo. Ahogando cualquier rastro de originalidad de la propuesta y, lo que es más preocupante en una comedia, las ganas de reír, que quedan desplazadas por las ganas de que se resuelva, de la forma que sea, pero que se resuelva cuanto antes.

Trumbo. Un pequeño gran homenaje


Título original:
Trumbo
Año:
2015
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016  
Duración:
124 min
País:
Estados Unidos
Director:
Jay Roach
Reparto:
Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, Louis C.K., John Goodman, Elle Fanning
Distribuidora:
eOne


Por fin llega a las carteleras españolas, dos meses después de la temporada de premios, Trumbo de Jay Roach. La película centrada en uno de los grandes guionistas de la edad de oro de Hollywood que, aunque peca de ser un poco superficial, acaba siendo un pequeño gran homenaje hacia una figura que importante para la historia del cine. 

miércoles, 27 de abril de 2016

Backtrack. Nadie escapa de los fantasmas del pasado


Título original:
Backtrack
Año:
2015
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016
Duración:
90 min
País:
Australia
Director:
Michael Petroni
Reparto:
Adrien Brody, Sam Neill, Bruce Spence, Robin McLeavy, Jenni Baird
Distribuidora:
Selecta Visión


Aunque de manera limitada, se estrena en varios cines de España Backtrack, un thriller psicológico protagonizado por Adrien Brody que nos hace preguntarnos qué ha ocurrido para que este gran actor se encuentre en declive largometraje tras largometraje.

Ratchet & Clank: La película. De jugador a espectador.


Título original:
Ratchet & Clank
Año:
2016
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016  
Duración:
94 min
País:
Estados Unidos
Director:
Jericca Cleland, Kevin Munroe
Reparto:
Animación
Distribuidora:
Precisión 3D





En la literatura, la pintura y el cine se busca integrar al espectador o lector en la obra, recurriendo a diversas herramientas expresivas propias de cada medio. Esa empatía y cercanía es el lazo al que se aspira cuando un actor se sube a un escenario o un novelista traza una historia. Mientras que en los videojuegos uno no solo es lector y espectador, sino que es jugador. Se le confiere el poder, aunque solo sea de manera aparente, porque el destino de los personajes que controla ya ha sido determinado antes de que él lo ejecute. Cuando tenemos el mando en las manos somos el demiurgo. Podemos conocer la Florencia renacentista saltando por sus tejados, embarcarnos en una aventura bajo el nombre de Nathan Drake o simplemente echar carreras mientras tiramos coloridos caparazones de tortugas. En ese control radica el éxito de los videojuegos, que también nos cuentan historias, pero no somos testigos de ellas, sino partícipes. Por eso son tan complicadas las adaptaciones, porque el lenguaje cinematográfico no es idéntico, aunque sea casi su progenitor, al de los videojuegos. Ratchet & Clank ha sido la última franquicia en dar el salto a la gran pantalla, y como es habitual en esta transición, la experiencia es entretenida, pero sabe a poco cuando recordamos aquellos momentos en los que éramos nosotros los que completábamos su historia.

lunes, 25 de abril de 2016

El cortometraje 'Sputnik' se mete en la piel del (posible) primer cosmonauta soviético


Hubo una época en la que la Tierra se quedó pequeña y el espacio exterior se convirtió en el nuevo objetivo a conquistar. El gélido conflicto que propagaron Estados Unidos y la Unión Soviética tras la II Guerra Mundial, encontró fuera de las fronteras de nuestro planeta una nueva etapa de ese enfrentamiento periférico. Los soviéticos se impusieron en esa carrera espacial cuando, en 1961, Yuri Gagarin completó con éxito la primera expedición más allá de la exosfera. Pero, ¿fue realmente el primero en adentrarse en el inexplorado cosmos? El cortometraje Sputnik ofrecerá una visión alternativa, ya que nos mostrará a un cosmonauta soviético que emprendió su viaje antes que Gagarin, basándose en numerosas teorías que aseguran que otros astronautas pudieron llegar antes al espacio, pero no regresaron.

domingo, 24 de abril de 2016

Entrevista a Kike Maíllo: "No creo que me haya llamado Dios para hacer películas realistas."


Pocos directores en España se ganan la posibilidad de dirigir una gran producción, o al menos lo que se entiende con ese relativo término en nuestro país. Kike Maíllo es uno de ellos. El realizador catalán irrumpió con fuerza hace cinco años con la fascinante Eva, y ahora regresa con Toro, una combinación de intriga y frenesí de la que nos habló su director: “Creo que se trata más bien de un thriller que contiene bastante acción. Hay un misterio que sobrevuela la película y las relaciones son a la postre lo esencial de la misma. Todo se resuelve en torno a esas relaciones. Evidentemente hay persecuciones, hay hostias y hay gente que se hace mucho daño. Pero es verdad que, como en Eva, me gusta el género en tanto que el género está pendiente de los personajes.

Better Call Saul, Temporada 2. Guerras, derrotas y segundas oportunidades





Ha terminado la segunda temporada de la ficción creada por Vince Gilligan y, como es casi una costumbre, ha llenado las expectativas de aquellos que esperábamos ver en ella a uno de los máximos exponentes de la era dorada de las series. Y es que es imposible no reconocer que a nivel guión estamos ante otra producción con pintas de hacer historia y quedarse en las retinas del televidente por muchísimo tiempo; muy al estilo de Breaking Bad, pero a la vez completamente consciente de su predecesora, ha conseguido pegar un salto hacia adelante, limando los problemas de aquella (aunque cueste admitir a algunos que era una serie con problemas) entregando un producto que, en una revisión parcial, apunta a transformarse en algo superador. Es tiempo de hacer balances y reflexiones sobre lo que nos ha dejado nuestro amigo Jimmy y sus desventuras este año, que al igual que se hizo el año pasado será un análisis sin spoilers. Sin embargo, y dado lo polémico del final, en la última parte de este análisis nos permitiremos analizar el último episodio un poco más en detalle y así poder ahondar en una de las grandes “sorpresas” del season finale. También avisar que este análisis no se va a cuidar de hacer spoiler de la temporada pasada, por lo que si aún no te acercaste a la serie no leas este balance y ve al análisis que se hizo de la primera temporada tiempo atrás.

viernes, 22 de abril de 2016

Cegados por el sol. La pulsión sexual de Guadagnino.


Título original:
A bigger splash
Año:
2015
Fecha de estreno:
22 de Abril de 2016
Duración:
120 min
País:
Italia / Francia
Director:
Luca Guadagnino
Reparto:
Matthias Schoenaerts, Tilda Swinton, Ralph Fiennes, Dakota Johnson
Distribuidora:
Avalon



Luca Guadagnino se hizo con el reconocimiento de la crítica en su anterior película, Yo soy el amor, un retrato de la alta sociedad milanesa, así que era lógico que hubiera cierta expectación por su nueva película. Si además le añadimos que es un remake de la película La piscina de Deray, película icónica en Francia, pues el interés se acrecienta. Aunque realmente es un remake bastante libre, que recoge lo esencial y le da el “toque Guadagnino”.

jueves, 21 de abril de 2016

Entrevista a Mario Casas, Ingrid García Jonsson y José Sacristán: "Hace no tanto tiempo había que ir al cine. Entonces en el cine ocurría el milagro."


“La voz de la sabiduría.” Mario Casas define así a su veterano compañero de reparto en Toro, José Sacristán. Un hombre de lengua estéril en cabellera y extremadamente fértil en ingenio y, sobre todo, en eso, sabiduría. Entre ambos se encuentra Ingrid García Jonsson, que da vida a Estrella, la novia de Toro, en la nueva película de Kike Maíllo. Y como no podía ser de otra manera, es Sacristán el que con más firmeza sostiene el timón de esta conversación, mostrándose entusiasmado con el mafioso antagonista que interpreta en la cinta: “Lo que me parece emocionante de este personaje es que Toro es un muchacho que trata de escapar de un territorio moral determinado, y entonces Romano no quiere que se vaya de ese territorio por una cuestión de afecto, por un acto de amor hacia este muchacho. Es el hijo que no tiene. La única manera de retenerle es agrediéndole. Es la perversión del poder.”

miércoles, 20 de abril de 2016

El niño y la bestia. La enseñanza recíproca.


Título original:
Bakemono no Ko (The Boy and the Beast)
Año:
2015
Fecha de estreno:
22 de Abril de 2016
Duración:
119 min
País:
Japón
Director:
Mamoru Hosoda
Reparto:
Animación
Distribuidora:
Sherlock Films / A Contracorriente Films


No es muy descabellado afirmar que, en el género de animación, la cinematografía japonesa es una de las que mejor rendimiento tiene. Se produce y se consume mucho anime, tanto dentro de Japón como fuera, y dos de las productoras más grandes, la Toei Animation y el Studio Ghibli, son reconocidos mundialmente. Y es que tratan la animación como un medio más, pero no como un género en sí. Hay anime enfocado a niños, a jóvenes, al género masculino, al femenino, a un público adulto... Su versatilidad es a la vez su mayor éxito. Y lo mejor es que fuera de los grandes estudios se siguen encontrado joyas a pares. Uno de estos claros ejemplos son las obras de Mamoru Hosoda, quien si bien empezó en la Toei haciendo películas de la saga Digimon y One Piece, quiso dar el salto a un cine más trascendental, con Madhouse, realizando La chica que saltaba a través del tiempo y Sumer Wars. Después decidió fundar su propia compañía, el Studio Chizu, con la que realizó su anterior trabajo, Wolf Children (Los niños lobo) y su última película hasta la fecha, El niño y la bestia. Todas tiene elementos fantasiosos de fondo, pero donde prima el concepto humano y reflexivo, con distintas capas para todas las edades: niños, jóvenes y adultos.

martes, 19 de abril de 2016

Toro. Bombeando veneno.


Título original:
Toro
Año:
2016
Fecha de estreno:
22 de Abril de 2016 
País:
España
Director:
Kike Maíllo
Reparto:
Mario Casas, Luis Tosar, José Sacristán, Ingrid García Jonsson, Claudia Vega, José Manuel Poga
Distribuidora:
Universal





Los españoles somos muy peculiares. En nuestro cine. En nuestras tradiciones. En nuestra forma de mirar al pasado o negarle la mirada según el tema y el momento. Cada uno combina los factores a su manera, dando lugar a una sociedad heterogénea. Lo cual favorece a una cinematografía que se enriquece con cada nueva mirada que se incorpora a ella para aportarle algo diferente. Kike Maíllo demostró con su ópera prima que un género tan marginado en nuestro país como la ciencia ficción podía alcanzar la excelencia, compensando la escasez de medios con la originalidad y el cuidado de la forma. Eva fue una imponente carta de presentación, que invitaba a prestar atención a este joven realizador formado en la ESCAC. Por lo tanto, su incursión en el thriller y la acción, que frecuentemente ponen por delante el artificio sin contenido, generaba cierta inquietud por ver si se decantaba por la autopista del efectismo vacío o por el más obstaculizado sendero del esmero narrativo. Afortunadamente, su Toro emprende una aventura salvaje por el camino más arduo, sin perder la atracción propia de la acción -aunque a veces se note la falta de experiencia en la materia o la falta de recursos- ni la tensión del thriller, embalsamados con una considerable dosis de costumbrismo español.


Romance en Tokyo. Japón (a toda costa)

Título original:
Tokyo Fiancée
Año:
2014
Fecha de estreno:
22 de abril de 2016
Duración:
100 min
País:
Bélgica
Director:
Stefan Liberski
Reparto:
Pauline Étienne, Taichi Inoue, Julie Le Brenton, Akimi Ota, Alice De Lencquesaing, Hiroki Kageyama, Hiromi Asai
Distribuidora:
Abordar


La cultura nipona presenta unas características tan, tan opuestas a las europeas que abre un abismo de fascinación o rechazo en el mundo occidental. El creciente interés por el universo japonés parte de esa diferenciación en sus costumbres y su modo de ver y entender la vida. El choque cultural está asegurado para un occidental en Japón. Esa particularidad, esa singularidad marca la complicada relación de la protagonista de Romance en Tokyo de Stefan Liberski. La película adapta la novela semi-autobiográfica de Amelie Nothomb Ni de Eva ni de Adán en la que la autora, de manera irónica, cuenta su experiencia al regresar al país del Sol Naciente. Amelie nació en Tokyo pero se crió en Bélgica, la cuna de sus padres. Con veinte años decide volver a su patria natal para convertirse en -escritora- japonesa y empaparse de sus tradiciones, aunque no las comprenda.

jueves, 14 de abril de 2016

Modern Family 7x19 Recap: Man Shouldn't Lie

Modern Family 7x19 Recap: Man Shouldn't Lie

Nuestros protagonistas de Modern Family siguen empeñados en mentir. Y mentir está mal, salvo si no te pillan. Por supuesto, aquí les pillan a todos, y de ahí las risas. Recuerda qué pasó en el capítulo anterior aquí. ¡Alerta spoiler!

Mi amor. La posesión.

Título original:
Mon Roi
Año:
2015
Fecha de estreno:
15 de abril de 2016
Duración:
128 min
País:
Francia
Director:
Maïwenn
Reparto:
Emmanuelle Bercot, Vincent Cassel, Louis Garrel, Isild Le Besco, Chrystèle Saint Louis Augustin, Patrick Raynal
Distribuidora:
Golem


En una de las escenas de Mi amor, Giorgio (Vincent Cassel) compara su relación de pareja con un electrocardiograma. Las relaciones fluctúan, tienen picos, si no, estás muerto. Tony (Emmanuelle Bercot) sólo buscaba estabilidad en su romance con Giorgio, un romance que ya nació condenado pues apenas tenían nada en común. Tras diez años de relación errática, Tony se provoca un accidente de esquí para reflexionar. En la clínica de recuperación, hará balance de la convulsa última década vivida. Herirse a uno mismo para sanarse.

Redención (Los casos del Departamento Q). El hijo del diablo.

Título original:
Flaskepost fra P
Año:
2016
Fecha de estreno:
15 de abril de 2016
Duración:
112 min
País:
Dinamarca
Director:
Hans Petter Moland
Reparto:
Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Johanne Louise Schmidt, Jakob Oftebro, Pål Sverre Hagen, Lotte Andersen
Distribuidora:
Vértigo


En menos de un año, hemos podido ver las tres adaptaciones cinematográficas hechas hasta la fecha (recordemos que son seis libros... de momento) de Los casos del Departamento Q. Tanto Misericordia como Profanación como la actual Redención se centran en casos criminales ficticios independientes sucedidos en el pasado reciente danés. El nexo común entre todas ellas son los detectives encargados de resolver los misterios: Carl y Assad -y ahora Rose, quien se unió a ellos como secretaria en Profanación-. La evolución lógica de los personajes y las situaciones envolventes, nos ha llevado a conocer en profundidad sus fobias y sus reacciones, perfilando una complejidad psicológica aunque sólo a medias.

miércoles, 13 de abril de 2016

Victor Frankenstein. Paul McGuigan también crea un monstruo... pero sin vida.


Título original:
Victor Frankenstein
Año:
2015
Fecha de estreno:
15 de Abril de 2016
Duración:
109 min
País:
Estados Unidos
Director:
Paul McGuigan
Reparto:
Daniel Radcliffe, James McAvoy, Jessica Brown Findlay, Mark Gatiss, Andrew Scott, Louise Brealey, Alistair Petrie, Daniel Mays
Distribuidora:
Fox


No se puede negar que la novela de Mary Shelley es de aquellas obras literarias que ha inspirado a muchos artistas y de las imperecederas, esas novelas atemporales que conservan su frescura a pesar de los años. Pero curiosamente la gran mayoría de sus adaptaciones (o inspiraciones en ella) al cine, sobre todo las de los últimos años, dejan bastante que desear. Las últimas, Yo, Frankenstein de Stuart Beattie (vale, aquí se adaptaba más bien la novela gráfica de Kevin Grevioux, aunque el resultado fue igualmente desastroso) y el Frankenstein del trasnochado Bernard Rose vuelven a demostrar que partir de una buena premisa (en este caso la novela de Mary Shelley) no es garantía de éxito o calidad, si el tratamiento no es el adecuado. La Fox, seguramente aún escocida por el batacazo de Los cuatro fantásticos, repite fracaso con otro blockbuster fallido, Victor Frankenstein.

lunes, 11 de abril de 2016

Julieta. Las dos caras de una moneda.


Título original:
Julieta
Año:
2016
Fecha de estreno:
8 de Abril de 2016
Duración:
96 min
País:
España
Director:
Pedro Almodóvar
Reparto:
Emma Suárez, Adriana Ugarte, Inma Cuesta, Daniel Grao, Michelle Jenner, Darío Grandinetti, Susi Sanchez y Rossy de Palma
Distribuidora:
Warner


Hay directores que han alcanzado tal estatus que cada vez que estrenan una película se convierte en un acontecimiento, pienso en Tarantino, Spielberg o Tim Burton, entre otros. El caso nacional más parecido es, sin duda, el de Pedro Almodóvar, nuestro cineasta más reconocido fuera de nuestras fronteras. El manchego siempre ha sido fiel a su estilo, su cine (para bien y para mal) es reconocible en cualquier escena, y ha sabido mantener ese aura de autor e independencia desde el inicio de su carrera. La parte negativa de este aspecto, es que al poseer un estilo tan claro no siempre llegas a la mayoría del público, y cuando no consigues entrar en su universo muchas veces puede convertirse el visionado en una experiencia frustrante y cargante.

sábado, 9 de abril de 2016

Lobos sucios. Ambición desbocada.

Título original:
Lobos Sucios
Año:
2015
Fecha de estreno:
08 de abril de 2016
Duración:
105 min
País:
España
Director:
Simón Casal 
Reparto:
Manuela Vellés, Marian Álvarez, Sam Louwyck, Pierre Kiwitt, Thomas Coumans, Isak Férriz
Distribuidora:
Syldavia


Nadie duda a estas alturas de la importancia de la reconstrucción de la memoria histórica. El cine, como medio de masas, aporta su granito de arena. El formato documental se adaptaría con más facilidad a las condiciones requeridas en cuanto a su carácter (in)formativo y arrojador de luz. Las guerras, los íntérines entre ellas, las consecuencias políticas de las mismas son un tema recurrente en la ficción cinematográfica. Y el nazismo y la Segunda Guerra Mundial han dado pie a numerosas obras denuncia y reivindicativas en la historia del séptimo arte. Siguiendo este sendero, más cercanos geográficamente, nos encontramos con la Guerra Civil, la dictadura de Franco y el tardofranquismo. Hace unos años Felipe Rodríguez Lameiro rodó un corto documental centrado en la figura de un maquis andaluz y una mujer decisiva en el curso de la extracción de wolframio en las montañas gallegas. Se trataba de Lobos sucios. Ahora su idea se ha convertido en un largometraje homónimo.

viernes, 8 de abril de 2016

El Juez. Estricta delicadeza


Título original:
L' Hermine
Año:
2015
Fecha de estreno:
8 de abril de 2016
Duración:
98minutos
País:
Francia
Director:
Christian Vincent
Reparto:
Fabrice Luchini, Sidse Babett Knudsen, Miss Ming, Berenice Sand, Claire Assali, Floriane Potiez, Corinne  Masiero
Distribuidora:
Surtsey Films
   

Cuando el espectador se acomode en su correspondiente butaca intuirá que la película que está a punto de comenzar es un filme judicial, algo que pensará durante aproximadamente la primera media hora de proyección. No se estará equivocando, pero lo que igual desconoce es que además, disfrutará de una comedia romántica con tanta delicadeza y elegancia, que les implantará una continua sonrisa y logrará que salgan de la sala enamorados del amor.

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