Cléo de 5 à 7 (1961): Nouvelle Vague de 5 a 7

A un servidor le provoca cierto hormigueo en el estomago a la hora de ver una película las dos palabras que forman el nombre de la corriente cinematográfica que se extendió a partir de los 50 en Francia y es que, hasta la fecha, no he visto película mala dentro de esta corriente. Personalmente, me parece el mejor movimiento de renovación del cine europeo, aunque el neorealismo italiano contiene clásicos como Roma Ciudad abierta o El ladrón de bicicletas, mirando con cierta perspectiva y, como ya digo, desde un punto de vista personal, la Nouvelle Vague me resulta más atractiva. Como todo, hay gente que no estará de acuerdo con estas palabras y sobretodo si nombramos al abanderado de este movimiento, Jean-Luc Godard, que parece ser el cineasta con más enemigos de la historia del cine. 

Hasta hace una semana, el nombre de Agnès Varda me sonaba muy poco, lo había leído aquí y allá, pero nunca había hecho el ánimo de investigar, pese a las simpatías que evidentemente ha despertado en mi.  Hace una semana vi por primera vez una película suya, Sans toit ni loi, y me conquistó por completo. La dirección impecable, la historia, el realismo y crudeza con el que está filmada me causaron mucha impresión. Al poco de esta primera experiencia, di con la película que nos ocupa y, como confirman estas líneas, Agnès Varda ya será un nombre que nunca olvidaré. Cleo de 5 a 7 es la confirmación de una directora que me va a dar muchas alegrías cinéfilas en el futuro. O eso espero.  

Maternity Blues: Lloricas no, gracias

Con Maternity Blues nos encontramos ante el típico caso de un “quiero y no puedo”, por parte de Fabrizio Cattani, donde se ha escogido un tema espinoso como el de los infanticidios.

Ante este tema, caben dos vertientes: una seria, desde un punto de vista casi didáctico, u otra ficticia y dramática, hecha para fomentar la venta de kleenex. Y es una pena que se haya decantado por esta segunda opción.

Basada en una obra de teatro llamada De Medea, de la propia Gazia Verasani, que también participa en el guión de la película. El nombre de la obra hace referencia al 'síndrome de Medea', llamado así por la mitología griega, cuando Jasón abandonó a Medea y ésta mata a la amante de su esposo y mató o dejó matar a sus hijos por venganza.

No todos los que padecen este síndrome responden a motivos de venganza, pueden darse otros casos como en la película, por depresión, psicosis alucinatoria, incapacidad o incompetencia paternal... Y lo más grave, que no tiene cura, simplemente se puede seguir una terapia si se interviene a tiempo para evitar males mayores.

De este síndrome, aunque no se le llegue a mencionar, trata Maternity Blues, donde cuatro mujeres se encuentran en un hospital psiquiátrico por matar a sus hijos. Cada una lo lleva a su manera, pero a todas les une el sentimiento de culpa y el rechazo de la sociedad. Al menos se tienen entre ellas para, a través de la amistad, darse una oportunidad.

Chaika: la gaviota de Siberia

Pese a que la industria cinematográfica española no pasa por su mejor momento económico, no le faltan nuevos directores que le plantan cara a la situación y siguen sacando adelante proyectos alternativos a las películas más comerciales.

Uno de estos directores es Miguel Ángel Jiménez, un madrileño de 33 años que puede presumir de haberse codeado con Aki Kaurismaki (que fue el coproductor) en el que fue su primer cortometraje, Las Huellas, en el año 2003.

Después de sucedió su primer largometraje, Ori, donde empezó a dejar patente su estilo minimalista, con narraciones pausadas y dilataciones del ritmo espacio-tiempo, características que seguirían en su siguiente cortometraje, Khorosho, y en la película que estrena ahora, Chaika, que ya se pudo ver en la anterior edición del Festival de San Sebastián.

Chaika significa “Gaviota” en ruso, y también es el nombre en clave que usaba Valentina Tereshkova, la primera mujer en ir al espacio, allá en 1963.

Ahysa admiraba a Tereshkova, y quizás por ello su madre de pequeña la llamaba Chaika.

Abandonó su ciudad natal en busca de nuevos horizontes, pero las cosas no le salieron como esperaba y terminó viviendo de la noche y de su cuerpo. Sus ansias de escapar de todo la llevan a ella y a su amiga Dilnara a ser contratadas como prostitutas para un barco fábrica, donde permanecerán un año. Ahysa quedará embarazada y tendrá su hijo, Tursyn. Por suerte conoce a Asylbek, un marinero del barco donde ha sido contratada, que estará dispuesto a cuidar de ella.

Una pareja de supervivientes natos que les une el deseo de buscar ese nuevo y mejor horizonte entre las frías estepas de Kazajistán.

En otro país: Huppert al cubo

Hong Sang-soo presentó hace poco su nuevo trabajo, Nobody's Daughter Haewon, en el Festival de Berlín, pero la que nos llega a las carteleras españolas es su anterior trabajo, En otro país, que cuenta con la veterana Isabelle Huppert, que casualmente llega esta semana con dos películas a nuestras carteleras, la coreana y Dead Man Down, un thriller del director de Los hombres que no amaban a las mujeres.

En otro país, nos habla de la historia de una joven estudiante de cine y su madre que huyen a Mohang, una ciudad junto al mar, huyendo de los acreedores que quieren cobrar las deudas de su marido. Para evadirse, la joven empieza a escribir tres breves historias, sobre tres mujeres llamadas Anne (las tres interpretadas por Isabelle Huppert), una de ellas es una directora de cine francesa visitando a un amigo en Mohangh, la segunda está casada con un ejecutivo de una empresa automovilística y aprovecha el viaje de éste a Hong Kong para ver a su amante, director de cine. La última es un ama de casa rica de la que recientemente su marido se ha divorciado para irse con su amante coreana, y para consolarse visita Mohang junto a una amiga.

El Cosmonauta low-cost

Nadie discute que el cine español no atraviesa por su mejor momento, si es que alguna vez tuvo un momento bueno, pero si se quiere acortar más el círculo, el momento actual es especialmente malo para los jóvenes cineastas con ideas, pero con el bolsillo vacío. En España las cosas funcionan así, para bien o para mal. No hay más que echar un vistazo al tipo de películas que llenan nuestras salas (mayoritariamente) y qué tipo de películas son las que financian las grandes productoras españolas. También podemos hechas un vistazo rápido a los premios nacionales para darnos cuenta de por dónde van los tiros. No me queda ninguna duda de que el cine español está estructurado para una élite, cosa que en cierto modo entiendo, porque, a fin de cuentas, el dinero es lo que manda y mandan más un par de Tadeos Jones al año que tener una cantera de cineastas independientes con buenas ideas y cine diferente. Los festivales nacionales e internacionales son otro buen ejemplo para ver la preocupante escasez de material patrio en las diferentes categorías. 

Un amigo para Frank: Atraco a la senectud

El joven Jake Schreier debuta en la gran pantalla con Un amigo para Frank, película que causó gran expectación tanto en Sundance como en Sitges, y que ahora, por fin, podemos dar gracias que ha llegado a las carteleras españolas.

Curtido a base de comerciales, videos musicales y cortometrajes, Schreier también ha cosechado el éxito con su primera película, aplaudida tanto por la crítica como por el público, que ya ha recaudado en USA más de lo que ha costado y no ha funcionado nada mal, para lo que se espera de una película independiente.

Un amigo para Frank nos introduce en un futuro no muy lejano, donde el anciano Frank, ex ladrón de joyas, ahora vive sólo y sus pérdidas de memoria son cada vez más frecuentes, por lo que su hijo Hunter decide regalarle un robot-mayordomo para que cuide de él. Frank no está muy conforme con la idea al principio, pero poco a poco entablará amistad con el robot, a la par que resurge en él el deseo de volver a robar.

'Blue Valentine': Diseccionando sentimientos

'Blue Valentine', la ópera prima de Derek Cianfrance, su director. No ha pasado desapercibida en el mundo del cine, ni en su año de estreno ni en los dos siguientes hasta que se ha lanzado aquí en nuestro querido país. De hecho fue en el Festival de Gijón donde tuvo una gran exito y obtuvo el galardón por parte del jurado joven. Su pareja protagonista, Ryan Gosling yMichelle Williams, a parte de que sean dos de los mejores talentos que nos podemos encontrar en el panorama artístico estadounidense, realizan aquí una labor interpretativa descomunal, que más adelante profundizaremos. A modo de primer pellizco decir que ambos estuvieron nominados al globo de oro por sus actuaciones y a la de Michelle habría que sumarle su nominación al Oscar.

Dean Pereira (Gosling) y Cynthia "Cindy" Heller (Williams) son una pareja casada con una preciosa hija. Esa es la premisa que se nos muestra de primeras el trama, genialmente organizada por los guionistas Derek Cianfrance, Cami Delavigne y Joey Curtis. Son una pareja con problemas, con problemas de comunicación, de autoestima, de sentimiento... cualquier pequeña rencilla en su relación se convierte en una disparatada lucha por alzarse con el poder que a veces creemos que necesitamos en las parejas. A partir de aquí la película se convierte en un viaje sentimental por dos etapas de las vidas de nuestros dos protagonistas. Desde uno y otro escenario se nos van dando las claves de por qué su matrimonio se está desmoronando cuando en sus comienzos fue todo lo contrario. Donde una canción, un baile o una caricia se sentía como una bocanada de aire fresco. La relación que tenía ella anteriormente y de la que intenta escapar, une a esta curiosa pareja. La noticia de que ella está embarazada cuando la relación ya está casi establecida no ceja el empeño de Dean por estar con Cindy. El problema viene cuando ya llevan unos años con la relación: el está cansado de su situación y ella de él. Los problemas por acercarse el uno al otro son evidentes y la cosa acaba como debe acabar.

"Marea Letal": Dedícate a los documentales, John (sin acritud)

El amante de los océanos, John Stockwell, como ya demostró con Al filo de las olas e Inmersión letal, vuelve una vez más a sumergirse en las profundidades marinas con Marea letal (cómo les gusta a los traductores de títulos hacer estos chascarrillos entre títulos propios de los directores...), una película protagonizada por la pareja Halle Berry-Olivier Martínez, con todo el revuelo de su romance post película, que en Estados Unidos no ha gozado de un buen recibimiento, estrenándose en cines de forma muy limitada y prácticamente yendo directa al dvd, lo que sorprende un poco que, en nuestro caso, sí se estrene en cines (aunque es de suponer que también de forma limitada...).

Y es que la película carece de gran interés salvo por su lado semidocumental, ya que la historia que nos cuentan tiene poco donde rascar, ni mucho menos da para las casi dos horas que dura y todos sabemos el único camino posible que puede tomar la trama para que tenga sentido como película, lo que la convierte en altamente previsible, y el camino hasta dicho final se haga rutinario, de mero trámite. La película cuenta la historia de una pareja que trabaja estudiando a los tiburones, en una de sus salidas tienen un percance y muere un amigo que trabaja con ellos devorado por un tiburón. Esto afecta a la pareja emocionalmente y deciden separarse. Al año, ella está sin dinero y a punto de perder su barco embargado, aparece su marido con una suculenta oferta de un millonario y su hijo, que quieren nadar con tiburones, fuera de las jaulas habituales. A pesar de las reticencias iniciales de ella, acabará accediendo por la necesidad monetaria

Kauwboy: Aprendiendo a volar

El debut en el largometraje de Boudewijn Koole ha conseguido conquistar a la crítica de varios países, siendo elegida por su país para representarlo en los Oscars, aunque no llegó a entrar en la preselección final. Antes de Kauwboy, Koole había trabajado en mediometrajes, alguno incluso para la televisión holandesa, pero aquí hace su debut en el largometraje, contándonos la historia de Jojo, un niño de diez años falto de cariño paterno, ya que su madre al parecer se encuentra de gira con su grupo country, mientras que su padre, poco afectivo, se encuentra afectado por la situación y con frecuentes arrebatos agresivo-depresivos. Para combatir esta carencia, Jojo se escuda en el waterpolo, donde recientemente se ha apuntado Yenthe, una niña con la que hace buenas migas. Aparte, Jojo encuentra una cría de grajo y decide cuidarla.

Con la sencillez que suele caracterizar las óperas primas, Koole se entrega de lleno al personaje de Jojo y su relación con el grajo (al que llama Jack), mientras vamos conociendo poco a poco los detalles de su situación familiar y su amistad con Yenthe. No existen alardes de guión, de hecho la historia puede ser un tanto previsible cuando llega a cierto punto, pero lo interesante aquí son los momentos, el mimo con el que se presentan y la buena acompañación musical de Helge Slikker, basado en las canciones de la madre de Jojo.

Rebelde (War Witch): Gallo blanco, negra guerra

Los Oscars hace tiempo que ya nos dieron nuestra dosis anual necesaria de premios y premiados, pero a las carteleras españolas aún nos llegan películas de aquella 85ª gala.

Este es el caso de Rebelde, la película del canadiense Kim Nguyen, que consiguió colarse entre los cinco candidatos a mejor película de habla no inglesa.

Nguyen ya tenía en su haber otras tres películas, pero es con Rebelde con la que ha conseguido darse a conocer al mundo, siendo premiada en festivales como el Tribeca Film Festival, el Círculo de Críticos de Vancouver, el Canadian Screen Awards, Sitges o Berlín, aparte de multitudinarias nominaciones en otros tantos.

Este drama bélico nos cuenta la historia de Komona, una joven de doce años que vive en el África subsahariana, donde un ejército rebelde la secuestra y obliga a matar a sus padres, convirtiéndola en una niña soldado, justo a otros niños y niñas de su edad.

La película se presenta cruda, sin concesiones ni artificios, pero tampoco es un plato que se atragante en su escabroso relato, pues sabe dosificarse con lirismo y toques humanitarios lo suficiente como para que incluso veamos un toque positivo dentro de tanta inmundicia.

Objetivo: La Casa Blanca: De espartano a agente secreto, Butler no cambia el 'careto'

Antoine Fuqua podría catalogarse entre esos directores de un solo éxito. Tras la más que solvente Training Day, no hemos vuelto a apreciar el talento que se le presupone, más allá de entretenidas películas, sí, pero carentes de un sello que las saque de la mundanalidad del género de acción.

Con Objetivo: La Casa Blanca no va a ser la excepción, de hecho, el título es toda una declaración de sus intenciones y aquellos que busquen algo más allá de lo que suelen ofrecer este tipo de películas que la evite como la peste.

Fuqua parece querer enrolarse en el mismo barco que Emmerich y cia, solo que con mejores resultados. Incluso tendremos próximamente la oportunidad de hacer esta comparación algo más serio cuando se estrene Asalto a la Casa Blanca, prevista para septiembre de este año.

El argumento de Objetivo: La Casa Blanca es sencillo, un ataque terrorista al emblema de los Estados Unidos y un héroe que se lo hará pagar caro. Y dentro de sus límites e incongruencias (el primer ministro surcoreano resulta que tiene como guardaespaldas a terroristas norcoreanos... ni que fuera estúpido!) puede resultar medianamente entretenida, ya que este tipo de películas no hay que tomárselas muy en serio, van a lo que van.

7 Cajas: El hombre del carrito

7 CAJAS

Los paraguayos deben sentirse orgullosos de 7 Cajas.

No sólo es que con sus 300.000 espectadores nacionales se haya convertido en la película más taquillera de la historia de su país, es que se han abierto camino al difícil mercado internacional, ganando en notorios festivales como San Sebastián (premio de la juventud y premio cine en construcción), Palm Springs (New Voices), Mar de Plata (SICA), entre otros, aparte de la nominación a los Goya en el apartado iberoamericano.

Cierto es que aún queda un largo camino por recorrer a la industria cinematográfica paraguaya, pero Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori han colocado de forma contundente la primera piedra del sendero.

Y ojo, 7 Cajas no es sólo motivo de celebración para sus compatriotas, ya que supone un aire fresco para el thriller de acción a nivel general, una buena apuesta por sacar partido de los pocos medios disponibles, sin que esto se note en absoluto en pantalla y, pese a lo que pueda parecer en un principio leyendo el argumento, no llega nunca a hacerse pesada ni repetitiva.

Tampoco quiero decir con esto que sea un alarde de una historia novedosa, sorpresiva o demasiado elaborada, más bien todo lo contrario. De hecho, el título de una de las famosas obra de Hiroshi Inagaki, El hombre del carrito, sin tener que ver nada en absoluto con la película japonesa, podría hacer de resumen simplista