VII Festival Márgenes. Cinco recomendaciones de la sección oficial

El Festival de cine iberoamericano al margen crece cada vez más y se ha vuelto un punto de parada de fin de año obligatorio para el cinéfilo más inquieto. Como todos los años, la muestra online de su selección oficial está disponible hasta el 23 de diciembre y nos permite acceder a parte de la programación a todos aquellos que no tenemos la suerte de asistir presencialmente. Hoy hablo de mis 5 películas favoritas de la sección oficial, invitando al que lee a aprovechar la oportunidad para visitar algunas de las propuestas cinematográficas más originales desde lo lo formal y lo narrativo que nos ofrece la edición de este año. 

¡Lumière! Comienza la aventura. Crónica de un nacimiento.

Título original:
Lumière!
Año:
2016
Fecha de estreno:
20 de Octubre de 2017 
Duración:
90 min
País:
Francia
Director:
Thierry Frémaux
Reparto:
Documental
Distribuidora:
Caramel Films

Los hermanos Lumière exhibieron su flamante nuevo invento, el cinematógrafo, hace 127 años en París. Si ahora, como dice el (casi siempre) certero David Fincher, la experiencia de ir al cine se asemeja a la de sentarse alrededor de una hoguera, siendo la película la inadvertida y fulgurante protagonista de la reunión, la sociedad de finales del siglo XIX recibió con un entusiasmo sin precedentes este pozo de entretenimiento sin fondo. El documental ¡Lumière! Comienza la aventura se remonta a aquellos tiempos en los que el cine apuntaba maneras como prolífico negocio, que al mismo tiempo se desmarcaba como el mejor lienzo posible para inmortalizar el mundo moderno.

Kedi (Gatos de Estambul). La convivencia entre el hombre y el gato.

Título original:
Kedi
Año:
2016
Fecha de estreno:
21 de julio de 2017 
Duración:
80 min
País:
Estados Unidos / Turquía
Director:
Ceyda Torun
Reparto:
Documental
Distribuidora:
Avalon

Kedi (Gatos de Estambúl) es un documental bastante particular (¿un documental sobre gatos callejeros?) que consigue ingeniárselas para salir bastante bien parado, y no sólo para los friki-amantes de los gatos. Explicaba su directora, Ceyda Torun, en una entrevista que su documental es una carta de amor a estos gatos que acompañan desde hace muchísimos años a los turcos en su día a día y que cada vez se ve más amenazada por el crecimiento exponencial de la población turca. Tanto es el impacto y la simbiosis entre los gatos y los habitantes que casi se puede hablar que forman parte en cierta manera de la cultura del país. Y es que Turquía siente predilección por los felinos, desde la época otomana hasta el Islam (religión mayoritaría de Turquía), donde existen una leyenda muy extendida de que Mahoma tenía una gata llamada Muezza. Un día que Mahoma iba a rezar, la minina estaba dormida sobre la túnica de su dueño; Mahoma no queriendo molestarla, cortó con una tijera su túnica para que la gata siguiera durmiendo y así él poder ir a rezar. A su regreso la gata recibió al profeta con manifiesta alegría, algo que emocionó a Mahoma que otorgó a todos los gatos la gracia de caer de pie y de entrar en el paraíso.

19º Festival de Cine Alemán - Victoria por tocado, Decoder y Somos el diluvio

Ya nos estamos acercando al fin de esta 19º edición (ayer fue nuestro último día, a pesar de que oficialmente cierra hoy domingo). Hemos visto Las flores de antaño, Algol y El día más hermoso, Marija y Destino Espacial:Venus y ayer tuvimos un fuerte cúmulo de sensaciones: desde la mejor hasta la fecha, el experimento más loco hasta la peor. Todo en un día.

David Lynch: The art life. La ventana que lleva al germen de la creación.

Título original:
David Lynch: The art life
Año:
2016
Fecha de estreno:
31 de marzo de 2017
Duración:
90 min
País:
Estados Unidos / Dinamarca
Director:
Rick Barnes, Jon Nguyen, Olivia Neergaard-Holm
Reparto:
Documental, David Lynch
Distribuidora:
Vértigo Films

El 21 de Mayo se abrirá el telón de la esperadísima continuación de Twin Peaks. “Nos vemos dentro de 25 años” le dijo Laura Palmer al agente Cooper en el último episodio de la serie, y aunque al final vayan a ser un par más, aquella predicción se hará realidad. Es por eso quizás que acercarse al documental sobre los inicios de David Lynch como artista puede ser especialmente motivador en estas fechas, como preámbulo al espectáculo televisivo que vendrá.

Safari. Orgullo salvaje.

Título original:
Safari
Año:
2016
Fecha de estreno:
17 de Marzo de 2017 
Duración:
91 min
País:
Austria
Director:
Ulrich Seidl
Reparto:
Documental
Distribuidora:
Noucinemart

Como todo tema susceptible de ser debatido, la caza cuenta con adeptos y detractores. Por ello conviene contextualizar los ritos y costumbres de ese hobby tan extendido, que tan certeramente plasmó Carlos Saura en su simbolista retrato de la España de los vencedores, La caza. Ahora es el turno de Ulrich Seidl. El provocador cineasta austriaco se desplazó a Namibia para seguir con su cámara a varios turistas europeos, que encuentran en el fusilamiento de animales salvajes unos fogonazos de adrenalina incomparables. El documental exhibe una atractiva estética, con una simetría y unos juegos de colores que provocarían un orgasmo precoz a Wes Anderson, y, sobre todo, un valioso tono irónico, mordaz y perversamente cómico.

Gimme Danger. Los dos chiflados.

Título original:
Gimme Danger
Año:
2016
Fecha de estreno:
25 de Noviembre de 2016
Duración:
108 min
País:
Estados Unidos
Director:
Jim Jarmusch
Reparto:
Documental
Distribuidora:
Avalon

Nadie mejor que un verdadero fan de un grupo de música para relatar sus hazañas y desventuras. Y si además tiene el irreprochable talento de Jim Jarmusch tras las cámaras, mucho mejor. Después de haberse centrado en su amigo Neil Young en un documental previo, ahora es el turno de los Stooges. Este grupo punk atesoraba una interesante historia que llevar a la gran pantalla, y Jarmusch ha sido capaz de separar el grano de la paja para componer un ilustrativo y entretenido film, cargado de la atractiva energía de una fuerza de la naturaleza como es Iggy Pop.

Bella y Perdida. El pasado perdido

Título original:
Bella e Perduta
Año:
2015
Fecha de estreno:
5 de Agosto de 2016
Duración:
86 min
País:
Italia
Director:
Pietro Marcello
Reparto:
Elio Germano, Sergio Vitolo, Gesuino Pittalis, Tommaso Cestrone
Distribuidora:
Film Buró

Curiosísimo a la par de bellísimo trabajo el que hoy nos ocupa, obra de Pietro Marcello director que se ha labrado un nombre importante en el circuito festivalero como una de las voces más interesantes del actual cine italiano. Cultor de un estilo documental a la vez que poético, en “Bella y Perdida” Marcello agrega elementos fantásticos que le permiten poner en juego un universo de simbolismos en pos de un objetivo que no termina de quedar del todo claro, pero donde la añoranza por una Italia mítica (una Italia bella y perdida) está omnipresente.

Atlántida Film Fest 2016: Muros

Título original:
Muros
Año:
2015
Atlántida Film Fest:
Sección Fronteras
Duración:
80 min
País:
España
Director:
Pablo Iraburu y Migueltxo Molina
Reparto:
Documental

Centenares de millones de años antes de que los humanos pobláramos este planeta, Pangea era la masa de tierra que concentraba todos los continentes que, tras su fragmentación y distanciamiento, tan bien sabemos recitar actualmente de carrerilla. Esa separación ya supone en sí el establecimiento de unas fronteras entre los territorios, pero de carácter natural. La llegada del humano marcó los intransigentes límites entre países y las guerras, las cuales, como apuntaba Susan Sontag, se han convertido en una constante inevitable de nuestra presencia en el planeta. Cuando parece que un conflicto termina, los intereses de algún país le llevan a abusar de otro, con la implicación de terceras, cuartas, quintas… naciones que también encuentran el negocio en exportar más armas que ayuda a otro lugar. Las fronteras en sí no son negativas, ya que simplemente encierran un país en un mapa, pero el peligro llega cuando ese encierro pasa de la geografía a la mente de la maleable sociedad. El odio surge día a día contra otras culturas, un vicioso odio que tiene billete de ida y de vuelta. Y en ese momento las fronteras dejan de convertirse en meras líneas para dar paso a muros.

Atlántida Film Fest 2016: Depth Two

Título original:
Dubina dva
Año:
2016
Atlántida Film Fest:
Sección Memoria
Duración:
80 min
País:
Serbia
Director:
Ognjen Glavonic
Reparto:
Documental

Las novelas nos permiten navegar entre los recovecos de las historias, mientras que el cine, en buena parte de las producciones, se conforma con ilustrarnos el relato. Pero no todos los directores se conforman con arañar la superficie, ya que desde el nacimiento del séptimo arte se ha recurrido a estrategias tan diversas como el genio de sus creadores para incrementar la complejidad de la estructuración narrativa en imágenes. Valiéndose de ese mundo de posibilidades que ofrece captar nuestra realidad con una cámara, el realizador Ognjen Glavonic da forma a un documental sobre los bombardeos de la OTAN sobre Yugoslavia a finales del pasado siglo, sin mostrarnos en ningún momento los rostros de la gente que nos narra esa trágica cadena de sucesos. Sus voces resuenan en el entorno en que sus cuerpos quedaron cubiertos de cicatrices, ya fueran físicas o psicológicas.

Atlántida Film Fest 2016: Next Stop Utopía

Título original:
Epomenos stathmos: Outopia
Año:
2015
Atlántida Film Fest:
Sección Política 
Duración:
91 min
País:
Grecia
Director:
Apostolos Karakasis, Thanasis Kafetzis
Reparto:
Documental

El cine heleno está en alza en este Atlántida Film Fest. En la sección Política del mencionado Festival online hemos podido ver el documental Next Stop: Utopía sobre cómo afectó la crisis económica actual a Grecia, focalizando el punto de actuación en Salónica y el progresivo cierre de las fábricas de la región con el consecuente aumento de la tasa de paro y la pobreza entre sus gentes. Pero, ante la amenaza tercermundista económica, un grupo de obreros de una fábrica de baldosas adhesivas salió adelante ocupando la factoría y autogestionando su producción en un intento de establecerse como cooperativa mediante la democracia directa y la participación igualitaria.

Atlántida Film Fest 2016: Brothers

Título original:
Brødre
Año:
2015
Atlántida Film Fest:
Sección Generación
Duración:
108 min
País:
Noruega
Director:
Aslaug Holm
Reparto:
Documental, Markus Holm Buvarp, Lukas Holm Buvarp

La mente de un niño es uno de los puntos más impenetrables para el resto de los humanos, que tratamos de buscar en las personas de temprana edad aquella chispa en continua explosión que ya se nos ha oxidado a nosotros. Tratando de reflejar la evolución de sus dos hijos, Markus y Lukas, la documentalista Aslaug Holm se armó con una cámara y plasmó en su sensor algunos de los momentos más relevantes de sus vidas. Durante esos ocho años en los que transcurre la narración, les vemos tirar pasiones a la basura y recuperarlas en el instante posterior, enfurecerse con el mundo porque no se amolda a ellos o incluso enfrentarse a su propia madre por estar siempre con la cámara grabándoles. A diferencia de la película con la que resulta obvio compararla, Boyhood, Brothers desde un primer momento revela su dispositivo. Su extenso rodaje queda evidenciado en las primeras escenas, en las que se intercala el aspecto inicial de los niños con el de su etapa adolescente, siempre en ese idealizado ambiente costero del que procede la madre, que por momentos parece querer robar el protagonismo a quien se encuentra ante la cámara.

Atlántida Film Fest 2016: Drone

Título original:
Drone
Año:
2014
Atlántida Film Fest:
Sección Política
Duración:
78 min
País:
Noruega
Director:
Tonje Hessen Schei
Reparto:
Documental

Con el paso de las décadas y los siglos, los conflictos bélicos han acabado distanciando a los soldados del frente de batalla. Actualmente, las manos de los fieles o adoctrinados combatientes no cargan con bayonetas o sables, sino que se han amoldado a la comodidad de una oscura sala en la que tienen acceso a bombardear cualquier punto cubierto por un satélite. Drone explora ese turbio terreno en el que se mueven los aparatos voladores que dan nombre al documental. Los vacíos legales que permiten al gobierno estadounidense acabar con la vida de miles de civiles y algún supuesto terrorista por el camino. Claramente posicionada en el ámbito de la crítica a las cobardes políticas exteriores del músculo americano, la película dirigida por Tonje Hessen Schei nos revela de forma efectiva esa actividad de la que ya hablaba con su potente lírica Matt Bellamy en el último disco de Muse. Los drones que nos sobrevuelan y que han dado lugar a una nueva forma de hacer guerra. De forma aparentemente impune.

McQueen: The man & Le Mans. Pasiones al límite.

Título original: 
McQueen: The man & Le Mans 
Año:
2015
Fecha de estreno:
03 de Junio de 2016
Duración:
112 min
País:
Reino Unido
Director:
Gabriel Clarke, John McKenna
Reparto:
Documental, Steve McQueen
Distribuidora:
Karma

Cualquiera que conozca un poco la figura de Steve McQueen sabrá de su gran afición al mundo de la velocidad, pero para los que no, o para los mitómanos que deseen indagar más en la figura del 'Rey de lo Cool', Gabriel Clarke y John McKenna nos traen el documental McQueen: The man & Le Mans, enfocado en la dificultosa producción de Las 24 horas de Le Mans, la película en la que el actor se dejó cuerpo y alma para dedicársela a su gran pasión.

¿Qué invadimos ahora?. Excursión napoleónica.

Título original:
Where to Invade Next
Año:
2015
Fecha de estreno:
27 de Mayo de 2016  
Duración:
119 min
País:
Estados Unidos
Director:
Michael Moore
Reparto:
Documental
Distribuidora:
Avalon

El ingenio de Michael Moore nos ha servido para conocer mejor las problemáticas sociales, políticas y sistemáticas que vive un gigante como Estados Unidos. Las armas, la sanidad, el retorcimiento de Bush de los hechos que llevaron al 11-S… El documentalista sabe que la crítica necesaria es la que nace desde el interior, con conocimiento de causa, y si esa crítica es constructiva, será recibida como un consejo a escuchar. Para hacer su nueva película, cruzó el Atlántico, alejándose de su América natal, con el objetivo de recopilar políticas sociales que exportar -o recuperar- a “la tierra de la libertad”. Agujerear el muro de las desigualdades propias -aunque no exclusivas- de Estados Unidos a base de humor con una profundidad patriótica y, sobre todo, de deseo de mejora. 

Las estaciones. La naturaleza como protagonista.

Título original:
Les saisons
Año:
2015
Fecha de estreno:
20 de Mayo de2016 
Duración:
97 min
País:
Francia
Director:
Jacques Perrin, Jacques Cluzaud
Reparto:
Documental
Distribuidora:
Wanda Visión

Jacques Perrin y Jacques Cluzaud son dos directores franceses entregados en cuerpo y alma a darnos una visión única de la flora y la fauna. De sus manos salieron Nómadas del viento y Océanos, dos documentales muy laureados sobre la migración de las aves y sobre el 'gran azul', respectivamente. Para Las estaciones, la ambición ha subido de nivel y nos acercan a los 10.000 años de historia de la humanidad, desde el punto de vista animal.

Entrevista a Cyril Dion: "En EEUU están tan cerrados en su país que se creen cualquier cosa."

Cuando las ideologías se convierten en creencias es complicado tratar ciertos temas, pero el documental Mañana logra que el cambio climático, la crisis de la democracia, el lamentable sistema educativo de ciertos países (incluído España) y muchas más problemáticas sean puestas en tela de juicio. La mentalidad de cada uno lo asimilará de distinta manera, pero la factura de la que le ha dotado Cyril Dion, junto a Mélanie Laurent, lo ha convertido en un estreno imprescindible. Para conocer más en profundidad los objetivos de Dion, tuvimos la oportunidad de hablar con él, y afortunadamente su discurso en persona es tan sincero como el que vimos en la gran pantalla.

Este activista y cineasta galo se alzó en la última gala de los Premios César con el galardón al mejor documetal, y si destaca algo de su propuesta es su humanidad: “Lo que es impresionante no eran las propias iniciativas, sino la gente. Son ellos los que nos llegan al corazón. Su humanidad, que eran bellos por dentro. Y la gente nos dice a menudo que los personajes son hermosos. Y no son Brad Pitt ni Angelina Jolie, pero son resplandecientes.” Esas iniciativas a las que se refiere son las propuestas alternativas al modo que tenemos de explotar el mundo, y aunque el documental no pase por nuestro país, no es porque no lo tuvieran en mente: “Dudamos mucho en ir a Barcelona. Tuvimos esa duda hasta el final. Es una de las ciudades que tiene más ambiciones en cuestiones de autonomía energética y alimentaria. Porque la alcaldesa ha dicho que quería llegar antes de 2040. Y el problema es… que no hablo español. Cada vez queríamos ponernos en escena, aparecer en la película, para que sea más íntimo y personal. Y por lo tanto no podíamos filmar una conversación con intérprete.”

Mysterious Object at Noon. La búsqueda de la unidad

Título original:
Mysterious Object at Noon
Año:
2000
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016  
Duración:
83 min
País:
Tailandia
Director:
Apichatpong Weerasethakul
Distribuidora:
Capricci

Si han leído la crítica que el compañero David le dedicó a la última obra de Apichatpong Weerasethakul, Cemetery of Splendour, es muy probable que se repita un concepto aquí: Es muy dificil hablar de películas de esta especie. Cuando un director convierte su set en un laboratorio de experimentos, sin saber muy bien a donde irá todo lo que va filmando, el espectador queda en la difícil posición de acompañar el experimento hasta el final o quedarse a medias sin saber muy bien qué decir. Conocemos a Apichatpong; quedarse afuera de la fiesta muy temprano es una posibilidad cierta cuando asistes a una función firmada por él. Es el riesgo de hacer un cine (y de verlo) que se mueve siempre en los extremos de eso que solemos llamar vanguardia: sabes que no serás apreciado en tu tiempo, por más que te aplaudan los más entendidos, y sabes que en el futuro quizá te tengan como un referente de un nuevo cine naciente, aunque quizá no. Pero volviendo a la difícil tarea del crítico/analista/aficionado, ¿qué decir? ¿Qué escribir? Es que el cine del tailandés está tan dedicado a la experiencia, que sólo haber experimentado plenamente una cinta como su ópera prima te permite una verbórrea decente y con sentido. Para el resto queda remar. Intentar comentar de forma aburrida y nada apasionante, lo que hemos rescatado de una propuesta como ésta, que no por compleja y experimental es menos interesante y rica.

Y sí, con todo lo dicho anteriormente, parece que no tengo idea de lo que he visto. Pero no es tan así; Mysterious Object at Noon se hace de rogar, te pone a prueba constantemente, pero vale la pena quedarse porque el hallazgo de lo que guarda en su interior es difícil de olvidar. El afamado director tailandés no tenía mucha idea de lo que estaba filmando, pues su idea original sólo era montar una secuencia de elementos siguiendo una lógica que aún no tenía muy definida, no mucho más que un collage improvisado. Fue cuando se cruzó con el concepto del "cadáver exquisito", cuando se le ocurrió que su material filmado le podía servir para experimentar muy profundamente con un tema tan interesante como la unidad de una obra.

Así, lo que vemos en la cinta es una variante del clásico juego utilizado por los pintores surrealistas, donde la composición pictórica es reemplazada por la narración de un cuento y los pintores por aldeanos de diferentes zonas rurales. Las inquietudes de Apichatpong están a medio camino entre la búsqueda de una narración diferente y el compromiso político, pues no estamos sólo ante un experimento hecho desde una torre de cristal, sino que estamos escuchando las voces de gente marginal y olvidada. No es casualidad la omnipresencia de los elementos políticos a lo largo y ancho del film y muchos incluso, aunque yo no lo he visto tan claro, entienden la obra como todo un manifiesto político.

Sea como sea, lo que el tailandés logra con los aldeanos es toda una curiosidad. La mujer que arranca la narración lo hace desde su perpectiva particular (cuando era niña fue vendida por su padre según cuenta al director) y el inicio no podría estar más teñido de melancolía y añoranza d eun pasado mejor. Pero entonces todo se deforma; en la medida en que avanza la narración continuada por personas totalmente diferentes, comienzan a aparecer elementos fantásticos tradicionales, elementos épicos, momentos musicales. Todo para concluir demencialmente cuando se le da la batuta a los niños y toda su energía renovadora/destructora.

El director decide también que muchos momentos del cuento merecen ser filmados, mientras que otras veces, los propios aldeanos ayudan a representarlo, por lo que queda un montaje bastante curioso en el que confluye la ficción, el documental, el musical y el teatro. Por supuesto, el tailandés no podía con su genio y tenía que incluir otros elementos, como intertítulos de cine mudo, que nunca he terminado de dilucidar a qué venían.

Apichatpong consigue encontrar la unidad de todos esos elementos heterogéneos en el sentir y añorar de esos pueblos. Y si se siente que lo consigue más o menos, si se lo ve como manifiesto político, como evolución del cine o como lo que sea; lo más importante es que funciona. Es un gran experimento, de complejo seguimiento, pero de inobjetable valor. Una de esas obras que gusta decir que son de las más imprescindibles de los últimos años.

6/10

Mañana. El futuro es posible.

Título original:
Demain
Año:
2015
Fecha de estreno:
29 de Abril de 2016  
Duración:
118 min
País:
Francia
Director:
Cyril Dion, Mélanie Laurent
Reparto:
(Documental) Cyril Dion, Mélanie Laurent, Olivier De Schutter, Anthony Barnosky, Emmanuel Druon, Jan Gehl, Elizabeth Hadly
Distribuidora:
Karma Films

Nos levantamos por la mañana y todo funciona. El mundo sigue girando y nosotros con él. Poco a poco asimilamos la realidad, con sus aspectos positivos y todo aquello destructivo ante lo que apartamos la mirada, pero no hay por qué aceptar o enterrar aquello que se puede cambiar. El documental Mañana insta a ese cambio de manera atractiva y sincera, sin caer en efectismos ni demagogia, simplemente recurre a aquellas iniciativas alternativas que están resultando exitosas. Demostrando que el mundo no tiene por qué funcionar cómo nos mandan desde arriba. Lo normal es que se achaque a ciertas ideologías este planteamiento de la insostenibilidad del planeta tal y como lo explotamos -y cómo pretendemos mantener este ritmo o incluso incrementarlo-, pero aquí los bandos y colores pierden significado para permitir que la realidad sea la protagonista. Esa realidad que no se nos muestra tan a menudo como se debería. Una realidad optimista, que invita a confiar en nuestro poder como sanadores y no como destructores. Más allá de lo utópico que sea implantar esas propuestas a nivel global, la forma en la que se nos muestra es la que invita a confiar en que puede ocurrir. Y que tenemos que ser parte de ello. Y teniendo en cuenta lo complicado que es calar en el público, al menos a medio plazo, con una película, y más si tiene mensaje social, Mañana triunfa en su cometido.

Hitchcock/Truffaut. Inyección de cine.

Título original:
Hitchcock/Truffaut
Año:
2015
Fecha de estreno:
1 de Abril de 2016 
Duración:
79 min
País:
Francia, Estados Unidos
Director:
Kent Jones
Reparto:
Documental, David Fincher, Wes Anderson, Richard Linklater, Martin Scorsese, James Gray, Alfred Hitchcock, François Truffaut
Distribuidora:
Sherlock Films

Para aquellos que no disfrutan solo del cine viendo películas, leer El cine según Hitchcock supone llegar al éxtasis del conocimiento, tanto teórico como emocional, de uno de los de los autores más importantes del séptimo arte. Por si esto fuera poco, esa profundización en la filmografía de este innovador narrativo es obra de otra figura que ha pasado a la historia dentro de este medio, François Truffaut, por lo que poder ser testigos, aunque sea como lectores, de ese intercambio de genialidades es todo un placer. Pero por si a alguien no le apetece demasiado pasar las páginas cargadas de sabiduría de ese libro, llega a los cines un documental que sintetiza su mensaje y su cometido: Hitchcock/Truffaut. Kent Jones y Serge Toubiana, acompañados por algunos de los nombres más destacados del Hollywood actual y de las últimas décadas, parten de esa entrevista de ocho días que tuvo lugar en Berverly Hills para analizar el estilo de un genio, e invitar a descubrir o indagar más en su prodigiosa aportación a nuestro querido cine.

El encuentro entre ambos artistas y el libro en el que desembocó su extensa conversación  se convierten en la excusa idónea para que esos cineastas, de escalonadas generaciones, revelen su comprensible adoración por Hitchcock. Pero ellos no son los únicos que hablan, ya que lo más interesante es poder escuchar tanto al entrevistador galo como al anglosajón interrogado a partir de los recuperados audios recogidos por los micrófonos. Por lo que podemos crear una fotografía mental de ese diálogo por el que se nos va guiando, centrándose el documental en puntos concretos de esa conversación tomando como núcleos las películas más emblemáticas del entrevistado. Por lo tanto tienen un espacio especial dedicado títulos como Vértigo y sobre todo Psicosis, pero no se olvidan de destacadas cintas de sus inicios como El enemigo de las rubias. De esta manera se trata de simular ese completo recorrido de su obra que llevó a cabo Truffaut en unos condensados pero nada cargantes casi 80 minutos.

No nos encontramos ante un ejercicio de nostalgia hacia la figura de este genio, sino ante un recuerdo de las imprescindibles e imaginativas invenciones que siguen enriqueciendo al cine hoy en día. También quedan expuestas las inquietudes de Hitchcock y algunas de sus secuencias más magistralmente compuestas. El punto de vista de directores como David Fincher, Wes Anderson, Richard Linklater o Martin Scorsese nos permite conocer hasta qué punto tuvo relevancia ese libro en su formación como cineastas, siendo una de sus piedras angulares de la comprensión del cine como medio de expresión. Estas reflexiones nos llevan por los recovecos de las inquietudes morales de Hitchcock y también nos invitan a conocer las películas que han marcado la forma de ver y comprender el cine de algunos de estos hijos artísticos del director de Con la muerte en los talones.

Partiendo de ese material era muy sencillo ganarse al público cinéfilo, y el documental lo consigue sin mayor problema con un toque didáctico, pero más que aportarnos algo nuevo nos incita ininterrumpidamente a hacernos con el libro y devorarlo para comprender mejor a una de las mentes que han llevado al cine al cielo de las artes.

7/10